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Les Grammys

Mar 29, 2023Mar 29, 2023

Avec l'aimable autorisation de BMG

entretien

Parcourez la dernière version des Kinks avec le chanteur et guitariste Dave Davies, qui détaille les histoires derrière certaines de ses coupes profondes préférées – de "I'm Not Like Everybody Else" à "Wonderboy".

"Nous changeons quotidiennement en tant qu'êtres humains, donc nos opinions et nos sentiments changent également", déclare Dave Davies avec un doux sourire. "La musique est comme un tableau : accrochée au mur, elle vous raconte sans cesse différentes choses."

Considérant les nombreuses vies musicales que Davies a vécues, il est devenu intimement familier avec ce sens évolutif du sens. Depuis qu'il a cofondé le légendaire groupe de rock anglais The Kinks avec son frère Ray en 1963, Davies a exposé chaque pouce de son âme et de son histoire personnelle à travers la chanson. Avec la sortie récente de The Journey, Part 1 - la première des deux compilations de succès, de faces B et de favoris de Kinks couvrant toute sa carrière - Davies a eu encore plus d'occasions de découvrir de nouvelles facettes des souvenirs et des sentiments qu'il a exprimés à travers le monde. décennies.

"Je ne peux pas imaginer ce que nous ferions sans la musique ou l'art", dit-il. D'innombrables fans du monde entier doivent remercier Davies de ne pas avoir à s'inquiéter de cette triste possibilité.

Davies a parlé avec GRAMMY.com de certaines de ses chansons préférées de The Journey, Part 1 qui méritent plus d'amour, de l'impact de la musique préférée de ses parents et de ses frères et sœurs et des leçons qu'il a tirées de la discographie des Kinks.

Ray a toujours été prolifique, mais c'était une étape particulièrement prolifique. Nous avons toujours été, comme, des écrivains visuels. La musique est très visuelle. C'est aussi un truc de famille. Nous avons même eu un album intitulé Think Visual il y a quelques années.

Et même en repensant à mes débuts, en écoutant Eddie Cochran, c'est une musique très visuelle, le mouvement et les mots. Cela peut vraiment vous mettre dans une dimension mentale de cette époque. Ray était un génie dans ce domaine, écrivant sur des choses qui se passaient à cette époque, même si parfois c'était comme recycler un menu d'un restaurant. [Rires] Tout était fantastique.

Une chanson que j'ai toujours aimée est "Dead End Street". Cela m'a toujours donné l'impression que c'est de là que vient notre famille. Cela a toujours été très important pour moi.

Ray et moi sommes évidemment très attachés à notre histoire familiale et aux membres de notre famille. Beaucoup d'inspiration vient de personnes de notre famille ou de personnes liées à notre famille. Beaucoup de mémoire coule à travers la famille et à travers les événements. Nous écoutions de tout - de la musique country, ma mère et mon père aimaient beaucoup la musique des années 30 et 40, et mes sœurs aimaient la musique de spectacle et la musique de film comme "Oklahoma", la musique de groupe de danse - tellement. Ray et moi avons eu tellement de chance de grandir avec autant d'influences musicales.

Cette chanson fait une déclaration sur d'où nous venons en tant que personnes. Je n'ai jamais pensé que j'étais comme les autres. Ray a toujours pensé que ce serait une chanson clé pour moi. Cela en dit long sur les Kinks en tant que personnes. J'ai toujours trouvé que les Kinks étaient toujours un peu différents dans ce que nous faisions en tant qu'artistes et personnes. J'utiliserais cette chanson comme recommandation pour toute la compilation.

Je parle toujours de "Wonderboy" comme d'un morceau très méconnu. C'est beaucoup plus profond et cela a beaucoup plus de sens que ce que les gens réalisent. Parfois, nous essayons tellement d'obtenir des choses, de faire des choses, et peut-être que la meilleure chose est de nous regarder droit dans les yeux.

[La musique] est même parfois un excellent moyen d'exprimer ce que vous ne savez pas. C'est ce que "Wonderboy" laisse entendre : peut-être que ce que nous recherchons est devant nous… Tout se passe maintenant. Vous n'avez pas à essayer si fort. Vous n'avez pas à vous rendre fou en essayant de déterminer ce que vous devez faire dans la vie. Parfois, les gens sont mis dans nos vies pour la joie, l'émerveillement et les pensées inhabituelles. C'est important de s'encourager, d'aider les autres.

Je traversais une période où je pensais, qu'est-ce qu'on fait ? J'allais tout le temps à des soirées et je traînais, et ça m'a fait réfléchir à ce que nous faisions en tant que groupe. Cela m'a fait penser à être un acteur de cirque, un clown.

Je pense que l'important était que nous n'étions qu'une famille ordinaire de la classe ouvrière. Ray avait une grande capacité à observer la vie d'une manière légèrement différente. Toute la famille l'a fait, vraiment. Nous avons appris à un jeune âge, étant une grande famille, que la musique était un excellent moyen d'exprimer les choses de tous les jours de manière positive.

Celui-là est un très bon rocker, et il s'agit d'une romance rock 'n' roll. J'adore faire celui-là en live.

La remasterisation est vraiment cool. Je pense qu'ils ont fait un très bon travail sur le remaster pour la compilation. Ray a en quelque sorte supervisé la majeure partie de la remasterisation, mais nous avions tous eu différentes étapes importantes. Et BMG a été d'une grande aide. C'est super de travailler avec une maison de disques comme ça. Cela le rend un peu différent.

"Days" a toujours été un morceau très important pour les Kinks, à travers notre évolution en tant que groupe. Cette chanson a coché tellement de cases [et] c'est toujours un morceau de musique poignant chaque fois que nous l'avons joué. Il est sorti à un moment où nous vivions tous beaucoup de changements intérieurs, de changements émotionnels, de changements commerciaux, de changements de vie – Ray en particulier. Et cette chanson se prêterait toujours au souvenir d'une sorte de perte mais aussi de compréhension.

Peut-être devrions-nous réfléchir davantage aux choses avant de les avoir faites. On ne prend pas toujours le temps de comprendre les sentiments. Nous ne pouvons pas rejeter nos idées émotionnelles parce que nous n'en comprenons pas la profondeur. Mais avec le temps on peut en savoir plus à travers une chanson, un tableau, une personne. De la très bonne musique que vous écoutez et repensez encore et encore.

Cette chanson est vraiment basée sur un thème d'amour d'enfance - vraiment mon premier amour, qui était à l'école. Nous avions 15 ans, nous étions séparés et nos parents ne nous laissaient pas nous voir. Vous pouvez tout lire à ce sujet dans mon autobiographie [rires] si vous le souhaitez. "Mindless Child of Motherhood" parle de la façon dont elle a eu un bébé et nous ne pouvions pas devenir une vraie famille, toutes ces choses émotionnelles lourdes.

C'est comme de la poésie. Parfois, vous ne réalisez pleinement de quoi il s'agit que quelques années plus tard. Cela le rend plus intéressant. L'art offre un moyen d'exprimer ce que vous ressentez, même si vous ne savez pas exactement ce que vous voulez dire. C'est très profond à l'intérieur de vous et parfois vous ne le découvrez que plus tard. Nous deviendrions vraiment fous si aucun de nous n'avait un tel moyen d'expression. C'est ce qui est si génial avec le rock 'n roll au début, quand nous étions enfants : c'était un excellent moyen de nous exprimer. Quand on est jeune, on ne sait pas toujours ce qu'on exprime, mais parfois il suffit de danser, ou de taper du pied. Nous pouvons prendre tant de choses parfois en disant très peu.

Légendes vivantes : Dave Davies des Kinks parle de l'effondrement du 21e siècle, s'adoucit dans la soixantaine et remue la marmite sur Twitter

Photo : Peter Wafzig/Getty Images

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Sur leur album récemment sorti, "But Here We Are", Dave Grohl et sa compagnie offrent un confessionnal captivant à la fois d'une perte douloureuse et d'une résilience fulgurante. En l'honneur de leur 11e album, revisitez 10 des morceaux les plus incontournables des Foo Fighters.

Foo Fighters - l'un des piliers les plus importants du rock contemporain - possède une histoire presque mythique. Ce qui a commencé comme le groupe solo de Dave Grohl en 1994 après la fin dévastatrice de Nirvana est devenu une machine séminale avec un catalogue qui s'étend sur trois décennies.

Le groupe détient actuellement le record du plus grand nombre de victoires GRAMMY dans la catégorie Meilleur album rock, remportant des récompenses en 2000 (Il n'y a rien à perdre), 2003 (One By One), 2007 (Echoes, Silence, Patience & Grace), 2012 (Wasting Light) et 2022 (Médecine à minuit). Aux GRAMMY Awards 2023, Medicine at Midnight a également remporté les prix de la meilleure performance rock ("Making a Fire") et de la meilleure chanson rock ("Waiting on a War").

Leur 11e album studio récemment sorti, But Here We Are, est le premier projet de la facette après le décès du batteur et chanteur Taylor Hawkins l'année dernière. Hawkins, qui a rejoint Foo Fighters en 1997 et allait devenir une force créative motrice du groupe, a été pleuré par des musiciens et des fans du monde entier. Des concerts hommage à Londres et à Los Angeles présentés par la famille Hawkins en collaboration avec Foo ont gracieusement rendu hommage à son héritage.

Grohl et compagnie ont réussi à surmonter leur chagrin collectif sur But Here We Are. Le projet sert de confessionnal captivant à la fois d'une perte douloureuse et d'une résilience fulgurante. En l'honneur de leur dernier effort, GRAMMY.com répertorie 10 des morceaux les plus essentiels de Foo Fighters.

Sorti un an après la mort de Kurt Cobain, le premier album des Foo Fighters était plein de promesses. "Perdre Kurt a été bouleversant, et j'avais peur de la musique après sa mort", a-t-il déclaré à Anderson Cooper lors d'un épisode de "60 Minutes" en 2014.

Bien que Grohl ait insisté sur le fait que le disque n'était qu'un exutoire pour le chagrin, il a marqué le début de son illustre carrière. "Big Me", le dernier single sucré du projet, a prouvé que le batteur devenu leader avait le don de créer des morceaux accrocheurs qui deviendraient des succès indéniables.

La nature campy du morceau était le résultat du fait que Grohl n'avait pas beaucoup réfléchi à l'album, mais cette approche intrinsèquement simple – qui s'est répercutée sur la vidéo de la chanson qui parodiait les publicités de Mentos – était le début de quelque chose de génial.

L'un des moments les plus exaltants de Foo Fighters à ce jour se présente sous la forme d'une chanson d'amour. "Everlong", qui était le deuxième single du deuxième effort du groupe, attire les auditeurs avec ses accords doux et mélodiques, retenant leur attention avec des percussions étouffantes et un lyrisme déchirant.

"Everlong" parle d'être tellement en phase avec un partenaire romantique que la conclusion de cette relation est totalement dévastatrice. "Venez dépérir avec moi", chante sereinement Grohl. "A bas avec moi/Slow, comment tu voulais que ce soit/Je suis au-dessus de ma tête/Hors de sa tête, a-t-elle chanté." Il l'a interprété pour la première fois en acoustique en 1998 sur "The Howard Stern Show", qui, selon Grohl, "a donné à la chanson une toute nouvelle renaissance" lors d'une performance au Oates Song Fest 7908.

"Breakout" est apparu sur le troisième album du groupe, There Is Nothing Left To Lose, et est rempli d'une énergie punk frénétique qui canalise les racines grunge de Grohl. Alors que les critiques ont loué l'album et noté la progression notable des Foos vers des hymnes plus mélodiques, ce succès rapide et rapide reste digne du battage médiatique qu'il a reçu il y a plus de 20 ans.

Le morceau est également apparu dans le film comique de 2000 Me, Myself & Irene avec Jim Carrey, et plusieurs de ses stars apparaissent dans son clip vidéo. There Is Nothing Left To Lose a également stimulé le hit radio "Learn To Fly", qui a remporté le GRAMMY Award du meilleur clip vidéo en 2000.

Le quatrième album studio des Foo Fighters a marqué une période mouvementée dans l'histoire du groupe. Mis à part des problèmes personnels, Grohl venait d'enregistrer de la batterie pour Queens of the Stone Age 's Songs for the Deaf et a rejoint le groupe pour une tournée ultérieure.

Alors que le sort de Foo restait inconnu, une performance triomphale à Coachella en 2002 a donné aux membres une nouvelle perspective sur leur avenir. "" Times Like These "a essentiellement été écrit sur la disparition du groupe pendant ces deux ou trois mois et j'ai l'impression que je n'étais pas entièrement moi-même", a déclaré Grohl dans le documentaire Back and Forth du groupe en 2011. "Je me suis juste dit : 'D'accord, je n'ai pas fini d'être dans le groupe. Je ne sais pas s'ils le sont, mais ce n'est pas le cas.'"

Avec sa simplicité lyrique et sa sincérité paralysante ("C'est dans des moments comme ceux-ci que vous réapprenez à vivre/C'est dans des moments comme ceux-ci que vous donnez et redonnez"), la chanson est devenue l'incarnation de l'amour, de la solidarité et de l'espoir.

"J'ai une autre confession à faire / Je suis ton imbécile", hurle Dave Grohl à tue-tête lors de l'ouverture captivante de "Best of You". Sa déclaration est suivie de la proposition existentielle : « Es-tu né pour résister ou être abusé ?

Le premier single de In Your Honor est plein d'émotion, dans lequel le leader de Foo est provocateur et encourage ceux qui écoutent ses paroles à être pareils. Ce sentiment était politiquement motivé, car "Best of You" a été écrit après que Grohl ait fait plusieurs apparitions lors de la campagne présidentielle démocrate de 2004 pour John Kerry.

"Ce n'est pas un record politique, mais ce que j'ai vu m'a inspiré", a-t-il déclaré à Rolling Stone en 2005. "Il s'agit de rompre avec les choses qui vous enferment." "Best of You" est leur seule chanson aux États-Unis à avoir atteint le statut de platine.

L'une des chansons les mieux classées du groupe était "The Pretender", de 2007 Echoes, Silence, Patience & Grace. L'écriture de chansons de Grohl sur le morceau est de proportions macabres, alors que les accords solennels d'introduction cèdent la place aux paroles : "Envoyez vos squelettes/Chantez alors que leurs os recommencent à marcher/Ils ont besoin de vous enfouis profondément/Les secrets que vous gardez sont toujours prêts. "

Des riffs plus lourds et des percussions palpitantes en font une véritable expérience auditive. Des crescendos parfaitement rythmés sur "The Pretender" lui donnent juste ce qu'il faut de suspense, le rendant indélébile dans la discographie de Foo.

En 2012, Wasting Light a remporté quatre GRAMMY Awards, dont celui du meilleur album rock. "White Limo" a décroché le prix de la meilleure performance hard rock/métal - et pour une bonne raison.

Le deuxième single du septième album studio des Foo Fighters est un numéro féroce saturé de cris primaux et de rythmes tourbillonnants. "White Limo" était l'une de leurs chansons les plus bruyantes à ce jour et le groupe fait sa meilleure impression de Motorhead (l'apparition de Lemmy Kilmister dans le clip sert de sceau d'approbation ultime). Le groupe était intentionnel en maximisant son agressivité sur la piste de heavy metal, faisant de "White Limo" l'équivalent sonore d'un éclair dans leur immense catalogue.

Le Concrete and Gold de 2017 ne consistait pas autant à redéfinir la roue qu'à la perfectionner. Le neuvième album studio du groupe est aussi rock 'n' roll que possible.

Il y a eu de nombreuses apparitions mémorables, dont Paul McCartney dans "Sunday Rain", Shawn Stockman de Boyz II Men dans "Concrete & Gold" et Alison Mosshart des Kills dans "The Sky Is a Neighborhood" et "La Dee Da".

Le meilleur morceau de l'album, "Make It Right", présente un caméo non crédité et sonorement rebutant de Justin Timberlake. Pourtant, l'aventure de la collaboration dans un territoire plus lourd porte ses fruits, Grohl rendant hommage à Led Zeppelin. L'influence des légendes du rock transpire partout dans "Make It Right" sous la forme de railleries en lambeaux et de riffs éclatés. Timberlake se glisse en arrière-plan avec des voix supplémentaires, en veillant à ne modifier en aucune façon la formule de Foo.

Le 10e album des Foo Fighters, Medicine at Midnight, a été un retour en forme rafraîchissant pour les rockeurs.

Déclenché par une conversation de la fille de Grohl, "Waiting on a War" incarnait la réflexion du groupe sur l'avenir inquiétant de l'Amérique. Pendant quatre minutes, Grohl déclare qu'il "attend que le ciel tombe", bien que ses pensées mélancoliques se transforment finalement d'un chant mélancolique sur des accords de guitare acoustique en une outro féroce et grondante. L'approche audacieuse de Foo leur a valu un GRAMMY Award en 2022 pour la meilleure chanson rock.

La puissance de "Rescued", le premier single chargé d'émotion de But Here We Are, repose non seulement sur les paroles pour exprimer le sentiment de découragement, mais sur l'expression de Grohl.

"Nous sommes tous libres dans une certaine mesure/de danser sous les lumières", chante-t-il. "J'attends juste d'être sauvé/Ramenez-moi à la vie." Sa voix languit entre fatigue et vigueur alors que les guitares tourbillonnantes et les accumulations éthérées catharsisent à la fois le groupe et l'auditeur. La vulnérabilité de "Rescued" canalise l'intrigante conscience de soi entendue sur des albums comme The Colour and The Shape et In Your Honor. Mais cette chanson représente un tout nouveau chapitre pour Foo et c'est celui qui affronte leur douleur de front.

Les Foo Fighters sont un mastodonte musical indestructible. Mais la mort de Taylor Hawkins montre qu'ils sont aussi des êtres humains.

Photo: Caity Krone

entretien

Alors que Lizzy McAlpine termine l'étape américaine de sa tournée, la chanteuse "ceilings" revient sur sa chanson devenue virale, se produisant sur "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon", en tête d'affiche d'une tournée à guichets fermés et signant avec une grande maison de disques .

Lizzy McAlpine est une conteuse talentueuse qui s'est fait connaître pour son écriture franche et pertinente dans des genres allant de la pop à l'indie folk. "Au fur et à mesure que j'ai grandi et évolué en tant qu'auteur-compositeur, j'ai pu laisser transparaître un peu plus la vulnérabilité et j'ai moins peur de dire exactement ce que je pense", dit-elle, parlant de Los Angeles via un appel Zoom.

Apparemment, les auditeurs apprécient son honnêteté.

McAlpine a transformé des centaines de millions d'auditeurs en fans dévoués depuis la sortie de son premier album, Give Me A Minute, en 2020. Après avoir présenté son deuxième album cinq secondes à plat, sa popularité semble avoir monté en flèche. Sa chanson à succès "ceilings" a culminé à la 54e place du classement Billboard Hot 100, a atteint 230 millions de flux et grimpé sur Spotify, a été certifiée Or et a inspiré un défi TikTok résultant en plus de 742 000 messages contenant une version accélérée de la chanson . Elle a récemment joué sur "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon" et a signé avec RCA Records. La deuxième étape de sa tournée s'est vendue immédiatement.

"Même si les expériences que nous traversons tous sont universelles, cela peut sembler isolant lorsque vous êtes dans l'instant", déclare le musicien de 23 ans né à Philadelphie. "J'espère que les gens pourront se sentir moins seuls et avoir un exutoire sain pour exprimer leurs émotions en écoutant mes chansons."

Avec sa voix douce mais régulière, McAlpine chante d'un endroit où la plupart d'entre nous se sentent le moins à l'aise - un lieu d'incertitude, de contradiction et de découverte - qui se reflète dans des lignes comme "ce n'est pas que je te déteste, je déteste que ça fasse mal" et "J'essayais d'être honnête, mais maintenant je pense que j'aurais dû mentir." Instrumentalement, cinq secondes à plat sont superposées avec des éléments électroniques, des cordes, de la guitare, du piano, de la batterie et des cors. Mais McAlpine ne veut pas être catalogué dans un style : "Mes albums ne sont que le reflet de qui je suis à l'époque."

Après avoir terminé une tournée internationale de 27 spectacles le 11 septembre, McAlpine retournera en studio pour continuer à développer son troisième album – et travailler vers de nouveaux objectifs, notamment se remettre à jouer sur scène ou à l'écran ("Je vais littéralement prendre Ça me manque tellement »), en construisant un monde autour de son prochain album à travers des visuels et des expériences de fans, et en achetant une maison. Mais d'abord, elle a discuté de ses récents faits saillants de sa carrière avec GRAMMY.com.

J'ai été définitivement surpris. Je ne m'attends pas à ce qu'aucune de mes chansons ait des moments viraux. Si ça doit arriver, ça va arriver, et je ne vais pas le chasser ou essayer de le faire arriver. De plus, ce n'était pas un single, c'était juste sur l'album, et donc je ne m'attendais certainement pas à ce que cette chanson résonne autant qu'elle l'a fait avec les gens.

J'essaie d'écrire simplement sur des choses qui me sont arrivées. Apparemment, c'est universel - j'ai traversé des choses que tout le monde semble traverser, et je les ai mises en mots. Je pense tout le temps à mes sentiments. Je journal tout le temps; Je dois écrire sur un sentiment jusqu'à ce que je le comprenne. Cela fait partie de ce qu'est l'écriture de chansons, pour moi aussi. C'est écrire sur des choses que je ne comprends pas tant que je ne les comprends pas. Et j'ai l'impression que beaucoup de gens se connectent à cela.

Je n'ai pas d'expériences folles que personne d'autre n'a jamais eues dans sa vie auparavant. J'ai juste tendance à trouver des moyens de parler de ces choses que j'ai vécues, [qui sont] parfois des sentiments difficiles à mettre en mots, et d'une manière dont peu de gens ont parlé. Je pense que les gens se connectent à la réalité et à l'honnêteté.

[Remarquer la tendance TikTok "plafonds"] a été une chose progressive pour moi. Je ne me souviens plus quelle vidéo j'ai vue en premier, mais j'ai vu le son accéléré obtenir un peu de traction sur TikTok, puis j'ai commencé à voir les vidéos, et ça a fait boule de neige à partir de là. Je ne m'y attendais pas. C'était sauvage.

J'ai déjà fait le monde des talk-shows de fin de soirée, mais c'était la première expérience de talk-show que j'avais depuis au moins un an. Je me suis tellement amusé. Je deviens nerveux avant de jouer n'importe où; peu importe qui regarde. Mais je n'étais pas du tout nerveux. Jimmy était si gentil. Nous avons fait la part des choses, nous l'avons filmé. Et puis à la fin, il m'a dit : « Dis-moi si tu veux réécouter les mixes. On veut s'assurer que tu aimes ça. C'était juste amusant d'être là et d'être sur le plateau et d'interpréter la chanson devant un public réel.

Je ne dirais pas que c'était le tournant pour être plus largement reconnu. Je ne peux pas identifier un moment exact où cela a commencé à changer, mais cela a toujours été une sorte de croissance progressive et ascendante, ce que je veux. Je ne cours pas après le succès du jour au lendemain. Je veux une carrière durable. Et donc j'essaie de le construire progressivement et avec intention. C'était une étape sur le chemin.

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Au début, j'étais pleinement convaincu que tous les billets avaient été achetés par des robots ou des escrocs ou quelque chose comme ça, et qu'il n'y avait aucun moyen qu'ils se vendent aussi vite. Je n'ai été convaincu que lorsque je suis monté sur scène lors du premier spectacle et que j'ai vu de vraies personnes dans le public. C'était surréaliste.

D'autant plus qu'il s'agit de la deuxième étape du tour plat de cinq secondes, nous voulions le rendre différent du premier tour, donc si les gens viennent pour la deuxième fois, ils n'obtiendront pas la même chose. Et nous voulions également augmenter le niveau de production, car nous avons les moyens de le faire maintenant. Nous avons tout un ensemble. Nous avons des murs et un canapé. Nous avons l'éclairage. Cela ressemble essentiellement à un salon, ce qui était ma conception et je voulais vraiment qu'il se sente intime et intime parce que c'est mon ambiance. J'interagis avec les meubles et les lampes, et je me déplace dans le décor. Je suis presque sûr que la dernière tournée avait juste un tapis sur scène - et c'était tout. Mais c'est tout ce que nous pouvions nous permettre. Cela commence à ressembler à une véritable production maintenant.

Il y a beaucoup de parties difficiles de la tournée pour moi. Ma tasse est déjà assez vide — je n'ai pas beaucoup d'énergie sociale. Le voyage en prend plus, et puis le spectacle en prend encore plus, si bien qu'en fin de compte, chaque jour, je n'ai plus rien. Parfois, c'est facile une fois que je suis sur scène d'entrer dans ce mode de performance. Mais c'est dur pour mon esprit et mon corps par la suite.

Donc c'est dur, mais il y a évidemment des moments amusants. J'aime tellement mon équipe. Mon groupe et l'équipe sont si gentils et si amusants à côtoyer. Mes moments préférés de la tournée jusqu'à présent ont été avec eux.

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En même temps que la tournée est d'un niveau supérieur cette fois-ci, cela semble également être le bon moment pour aller chez un label majeur. J'y avais pensé juste avant que cinq secondes chrono ne sortent mais je voulais tenir un peu plus longtemps. Cet album ne semblait pas être le bon album à emmener dans une major. C'était un truc d'intestin. Et maintenant, j'ai l'impression d'être au bord de quelque chose et cette décision de signer avec RCA me pousse définitivement vers cela.

Je veux faire et accomplir beaucoup de choses dans ma vie et ma carrière. C'est un pas vers tous ces objectifs. J'étais prêt à franchir ce pas.

Je travaille sur mon troisième album, et ça a pris beaucoup de temps, mais il est enfin en route. Tous mes albums vont sonner différemment parce que je vais toujours être une personne différente quand je les fais. Qui je suis maintenant penche davantage vers les sons inspirés des années 70 comme Elliott Smith et les Smith et ces types d'artistes. Une grande source d'inspiration pour cet album est Andy Shauf - sa musique est incroyable. Tout comme le son des années 70, live, plus brut et moins accordé et perfectionné. Je veux que le prochain album soit plus authentique. Non pas que mes trucs avant n'aient pas semblé authentiques, mais je penche plus vers un son moins propre, moins poli.

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Photo: Le3ay

entretien

Après trois ans de préparation, Madison Beer a entamé son prochain chapitre avec "Home to Another One", le premier single de son deuxième album. La chanteuse détaille son parcours "libérateur" pour créer "Silence Between Songs".

À l'ère virale d'aujourd'hui, les personnalités d'Internet ne sont pas toujours difficiles à trouver. Mais ce qui n'est pas si facile à trouver, c'est une personnalité Internet avec une longue durée de vie - et Madison Beer a prouvé qu'elle est plus qu'une star virale éphémère.

Beer a commencé à publier des reprises sur YouTube en 2012, montrant ses prouesses pop et sa voix éthérée à l'âge de 13 ans seulement. Elle a brièvement suivi la trajectoire de la pop star adolescente après que Justin Bieber l'a signée chez Island Records la même année, mais l'a d'abord trouvée. véritable voix musicale sur son premier EP, As She Pleases de 2018. Et une fois qu'elle a pris le contrôle total avec son premier album, Life Support de 2021 – co-écrivant et coproduisant les 17 chansons – elle s'est complètement installée dans l'artiste Madison Beer.

Maintenant sur le point de sortir son deuxième album, Silence Between Songs (attendu le 15 septembre via Epic Records), Beer vise à développer le mélange de vulnérabilité sans faille et de mélodies contagieuses qu'elle a présentées depuis qu'elle est entrée dans la sienne. Elle en a d'abord donné un avant-goût avec "Home to Another One", un morceau aérien qui est un mélange de Lana Del Rey et Tame Impala – deux de ses plus grandes inspirations, dont la première a même donné des commentaires à Beer sur l'album.

L'approbation de Del Rey est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles Silence Between Songs est spécial pour Beer, ainsi que le fait qu'elle a de nouveau co-écrit et coproduit chaque chanson. Mais peut-être que l'aspect le plus important du projet est la liberté qu'elle a trouvée au cours du processus de près de trois ans.

"En tant qu'artiste, on nous dit parfois que si nous prenons une pause, quelqu'un vous remplacera, quelqu'un viendra juste derrière vous", a déclaré Beer. "Je ne souscris plus à cela, et je pense que cela a été une chose vraiment libératrice."

Beer a expliqué à GRAMMY.com comment devenir plus ancrée dans sa vie personnelle a inspiré la nouvelle musique et pourquoi, malgré sa renommée en ligne, elle est "en fait assez terrifiée par Internet parfois".

Félicitations pour la sortie de "Home to Another One" et l'annonce de l'album. J'imagine que c'est angoissant parce qu'on ne sait jamais vraiment comment les choses seront perçues. Qu'est-ce que ça fait de commencer enfin à tout sortir?

"Home to Another One" que j'ai fait il y a à peine six mois, c'était donc l'un des derniers ajouts à l'album avant que je ne le rende. Cela n'a pas été un processus d'attente trop pénible comme les autres. Mais je pense que la révélation du titre de l'album a été en fait la plus intense pour moi. Je suis assis dessus depuis trois ans, donc l'avoir là-bas semble assez surréaliste. Mais les réponses des gens ont été vraiment positives et les gens se sentent excités, ce dont je suis très reconnaissant.

C'est un peu un nouveau son pour moi; il a une énergie différente de mes autres chansons. Mais les vrais fans qui écoutent mes interviews ou me voient en tournée savent que mon catalogue musical de choses que j'écoute est assez électrique ou différent ; il n'y a pas qu'un genre que j'aime. Il n'y a rien que je puisse faire qui puisse vraiment les surprendre, car ils savent que j'aime toutes sortes de musiques.

Les titres d'albums, et les titres en général, sont toujours délicats. Dites-moi comment vous avez trouvé le vôtre, Silence Between Songs ?

J'étais très jeune quand j'ai vu pour la première fois un poème ou un livre sur ce genre d'idée. Il s'agissait de quelqu'un qui me manquait, et ça disait "Tu me manques tellement entre le temps qu'il faut pour que la prochaine chanson commence."

J'ai toujours pensé que c'était un concept tellement cool et je voulais faire quelque chose avec cette idée pour mon premier album. Mais quand nous avons commencé à créer l'album en 2020, la chanson "Silence Between Songs" était l'une des premières que nous avons créées, c'était donc le premier titre que j'avais en tête. Nous avons travaillé à partir de cela, et maintenant, trois ans plus tard, cela a une signification appropriée pour moi. J'ai tellement grandi depuis que j'ai commencé à le créer, et l'album parle vraiment de la façon dont vous pouvez grandir en atténuant le bruit.

C'est un témoignage du titre que vous avez gardé pendant trois ans et rien ne l'a dépassé. Comment avez-vous découvert que vous vous installez et que vous éliminez le bruit ?

Décidément, le titre est pour moi non négociable depuis. Mais après une tournée, c'est difficile de décompresser et de s'installer. En fait, j'ai eu du mal à revenir de ma dernière tournée et à revenir à la réalité ; vous êtes tellement occupé, et c'est un tel coup de dopamine tous les jours. Ça a été un peu difficile de me remettre sur pied, mais c'est dans ces moments-là que j'apprends le plus sur moi-même.

Maintenant, je donne la priorité à mon temps seul et à mes temps morts ; Je laisse mon corps se reposer et je ne me sens pas obligé de sortir et de faire des choses tout le temps. Si je veux rester à la maison et me détendre au lit tout le week-end, je le ferai. J'essaie de comprendre et de ne pas culpabiliser pour les temps morts et les temps de repos.

En tant qu'artiste, on nous dit parfois que si on fait une pause quelqu'un va te remplacer, quelqu'un va arriver juste derrière toi. Je ne souscris plus à cela, et je pense que cela a été une chose vraiment libératrice.

Une publication partagée par Madison Beer (@madisonbeer)

Est-ce pour cela que vous vous êtes senti obligé de continuer ?

Je pense que dans le passé, il s'agissait de savoir si les gens avec qui je travaillais ou les gens en ligne ; cette notion qui sera toujours prête à faire plus que vous et à tout faire, et si vous ne l'êtes pas, vous serez remplacé. C'était une vraie peur que j'avais depuis longtemps. Je ne laisse plus cela arriver, cependant. J'ai été viré d'un label et j'ai été remplacé, donc la peur est réelle, et pendant longtemps j'ai eu très peur de ça. Mais je ne le suis plus.

Vous arrive-t-il de vous soucier de révéler trop ou trop peu de vous-même ? En tant qu'artiste, trop peut sembler être un partage excessif ; encore trop peu, vous n'êtes pas totalement honnête. Où est l'équilibre pour vous, et comment l'avez-vous atteint ?

C'est certainement intéressant d'en discuter, car à l'ère des médias sociaux, beaucoup d'entre nous ont cette pression d'être racontables et sympathiques. Mais encore une fois, je ne me mets pas cette pression, parce que je pense que je ne suis pas le genre de personne qui se réveille tous les jours et ressent le besoin de faire une vidéo sur ces choses personnelles. Je suis prêt à le faire quand j'en ai envie, mais je pense qu'il est inauthentique de se forcer à le faire juste pour être aimé. Alors j'essaie de poster quand j'en ai envie. Je pense que mes fans me connaissent et que mes fans m'aiment. Je n'ai pas besoin de gagner le cœur du grand public pour diffuser ma musique et être reçu. Je ne veux jamais me forcer à faire quelque chose que je ne veux pas faire.

"Home to Another One" est un hymne mélancolique avec une panne. Je me demande quelle était la genèse de cette chanson ?

Eh bien, j'ai pensé, "Quel est mon son pop?" Dans le passé, quand j'ai fait des chansons optimistes, elles n'étaient peut-être pas si authentiques pour moi, ou des chansons que je ne monterais pas dans la voiture et que je voudrais écouter. Alors j'ai pensé : "Qu'est-ce que je peux faire qui soit pop et amusant, mais qui reste moi, et qui ne me vende pas pour faire une chanson classée comme optimiste ?"

Quand je l'ai entendu, vocalement, ça m'a tellement rappelé Lana Del Rey. Serait-ce juste de dire?

Certainement. Je suis une grande, grande fan d'elle et j'ai l'impression qu'elle s'est intégrée en moi d'une manière que je ne peux même pas identifier.

Lorsque vous écrivez de la musique, en tant que coproducteur, savez-vous où vos chansons vont aller en termes de style dès le départ ? Quel est votre processus ?

Je suis coproducteur de toutes les chansons, ce qui a été un autre de mes efforts formidables. J'ai la chance de travailler avec mon incroyable producteur Leroy Clampitt qui est prêt, et même désireux, d'entendre mon opinion et veut que je coproduise tout.

Ce n'est pas vraiment calculé, je ne pense pas. Ça coule vraiment. C'est un peu dommage que nous n'ayons pas eu de caméra dans la pièce pendant le tournage, parce que j'étais vraiment impliqué dans chaque son que vous entendiez. Ma relation avec Leroy est vraiment spéciale parce que je peux faire un son comme mmmmm et il comprendra ce que je veux dire. Tout est très minutieusement planifié, mais ce n'est pas du genre "je veux ce type de synthé". On a laissé couler la chanson. et construire au fur et à mesure.

De nombreux artistes sont crédités en tant que co-auteurs de chansons, mais peu sont crédités en tant que coproducteurs. Pourquoi était-ce important pour vous d'être crédité en tant que coproducteur sur vos propres morceaux ?

Travaillant avec le même producteur depuis plus de cinq ans maintenant, j'ai l'impression que je peux exprimer mon opinion et que ce n'est pas bizarre. Leroy est celui qui a eu la gentillesse de dire qu'il pensait que je devrais obtenir un crédit de coproducteur. Il a dit: "Tu as fait autant que moi." Toutes les idées viennent de moi et de nous, et nous faisons tout ensemble.

Votre premier album est sorti il ​​y a quelques années et vous avez commencé à travailler dessus en 2020. Pourquoi un si long processus ?

Ce n'était pas censé l'être. Le temps vous échappe, et je suis définitivement retourné en studio plusieurs fois pour refaire des choses et monter. Nous avons eu plusieurs tests de pressage du vinyle, et plusieurs fois j'ai pensé qu'il était terminé, puis je l'ai remis en place.

Je ne sais pas, j'ai l'impression que c'est comme ça que je suis. Je ne suis jamais vraiment trop satisfait. Mais mon objectif maintenant est d'essayer de sortir un album dans l'année qui vient après celui-ci. Je veux entrer dans le rythme de laisser tomber la musique plus fréquemment et ne pas prendre d'écart de trois ans entre chacun d'eux.

Vous avez une empreinte Internet si massive, avec 34 millions de followers sur Instagram uniquement. Un tel suivi est-il un cadeau ou un fardeau ? Comment gérez-vous cela dans votre esprit en sachant que vous pouvez décrocher votre téléphone et publier quelque chose pour un public de millions de personnes ?

Je gagne régulièrement des fleurs depuis 12 ans, donc c'est quelque chose qui ne s'est pas produit du jour au lendemain pour moi. Il y a une grande différence dans la façon dont je m'y prends maintenant par rapport à il y a quelques années. Je ne me force pas à être engagé tout le temps ou à publier tous les jours.

En fait, je suis parfois assez terrifié par Internet. La façon dont ça bouge peut être vraiment effrayante et je pense que nous ne nous laissons pas la place de faire des erreurs humaines. Si j'exprime une opinion en ligne ou si je veux dire quelque chose, ce n'est pas que je me fiche de ce que les gens en disent, mais je sais que mes intentions le sont. Je ne vais jamais plaire à tout le monde et plaire à tout le monde, mais je sais quand je veux parler et partager, c'est authentique et ça vient d'un bon endroit.

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Photo : Gracieuseté de Mathew V

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Le chanteur jazz-pop émergent Mathew V revisite "Georgia on My Mind" de Ray Charles, l'un des nombreux succès classiques qu'il a repris sur son dernier album, "Anything Goes".

Il y a plus de 60 ans, la légende musicale Ray Charles a gardé la Géorgie dans nos esprits avec une reprise inoubliable de la chanson originale de Hoagy Carmichael - en tête à juste titre des palmarès Billboard et remportant deux gramophones d'or aux GRAMMY de 1961.

"J'ai dit, Géorgie, oh, Géorgie/ Je ne trouve pas la paix/ Juste une vieille et douce chanson/ Garde la Géorgie dans mon esprit", chante Charles dans le refrain de la chanson. "D'autres bras se tendent vers moi/ D'autres yeux me sourient tendrement/ Pourtant, dans des rêves paisibles, je vois/ La route te ramène."

Dans cet épisode de ReImagined, le chanteur pop émergent Mathew V livre son interprétation de "Georgia on My Mind". Bien que Mathew V reste fidèle à l'enregistrement original de Charles, il s'approprie la chanson avec sa voix douce et ses courses agiles.

"Georgia on My Mind" est l'une des nombreuses chansons que Mathew V a reprises sur son dernier projet, Anything Goes, qui propose également des réinventions jazzy d'autres classiques comme "At Last" d'Etta James et "Don't Rain on My Parade" de Barbra Streisand. ." Il apportera ses styles de jazz sur scène le 6 août, lorsqu'il présentera un spectacle d'un soir seulement dans sa ville natale au Frankie's Jazz Club à Vancouver, au Canada.

Appuyez sur lecture sur la vidéo ci-dessus pour regarder l'interprétation émouvante de Mathew V de "Georgia on My Mind" de Ray Charles, et revenez sur GRAMMY.com pour plus de nouveaux épisodes de ReImagined.

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Photo: Dutty Vanier

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Tenu du 7 au 13 juin dans divers cinémas de New York, le Festival du film de Tribeca présentera plus de 20 films musicaux passionnants - des courts métrages aux documentaires et biopics. Lisez la suite pour certaines des projections les plus excitantes du festival.

Le Tribeca Film Festival annuel regorge d'indies acclamés par la critique, de courts métrages provocateurs et de documentaires révolutionnaires - lors de l'édition 2023, la musique est au cœur de nombreuses catégories.

Tenu du 7 au 13 juin dans divers cinémas de New York, le Tribeca Film Festival présentera des films musicaux passionnants couvrant tous les genres. Il y a plus de 20 projections liées à la musique au festival, y compris des courts métrages et des vidéoclips comme Lizzo's Special, ainsi que des films abordant les sous-cultures et des biopics perspicaces sur Gloria Gaynor, Cyndi Lauper, Carlos Santana, les Indigo Girls et Biz Markie.

Les longs métrages incluent Lost Soulz, un drame sur une bande-son hip-hop lo-fi et mettant en vedette le rappeur Suave Sidle; un film de concert sur l'extravagance musicale de Taylor Mac, mettant en vedette trois décennies d'histoire sociale américaine avec un orchestre de 22 musiciens et une foule d'invités spéciaux. Le légendaire film de hip-hop Wild Style est également à l'affiche, ainsi qu'un récit tendu de la controverse entre Milli Vanilli et Frank Farian qui a finalement conduit à la disparition du duo. Certains des artistes présentés se produiront également en direct après la première de leurs films.

Accompagnant la liste de films, des conférences de stars de la musique comme Chance the Rapper, Lin-Manual Miranda, Hailee Steinfeld et Diplo, offrant toutes leur expertise individuelle et leurs connaissances de l'industrie, ainsi que des projections de vidéoclips, notamment Lizzo's Special et Lunarcode's The Light. Un salon de musique accueillera également des performances de Tei Shi, Frost Children, LuNika, Habibi et Sussan Deyhim.

Avant le festival, GRAMMY.com a rassemblé certains des documentaires musicaux et des longs métrages les plus excitants.

Présenté en première mondiale à Tribeca, ce documentaire nous emmène dans les coulisses du camp d'écriture de chansons pour femmes d'Alicia Keys, She Is The Music. Réalisé par la cinéaste primée aux Emmy Awards Beth Aala, ce film explore les difficultés de percer dans l'industrie de la musique en tant que femme de couleur.

Keys agit en tant que mentor, guidant les auteurs-compositeurs à travers des performances en direct et des sessions d'écriture intimes, ainsi que s'ouvrant sur les difficultés qu'elle a rencontrées à venir. Cependant, ce sont les participants du camp qui occupent le devant de la scène dans ce documentaire, notamment Ayoni, originaire de la Barbade, et DaVionne, originaire d'Atlanta.

Le soir de la première, certains des participants du camp se produiront dans un spectacle organisé par Alicia Keys.

La légendaire chanteuse disco Gloria Gaynor partage l'histoire de sa vie dans ce nouveau biopic, retraçant non seulement ses succès marquants, mais aussi ses luttes en cours de route. Depuis la sortie de la chanson qui l'a amenée dans les livres d'histoire, "I Will Survive", la vie de Gaynor a été gâchée par des problèmes de santé et son ex-mari violent. Aujourd'hui, âgée de 76 ans, elle sort un nouvel album de gospel et nous l'accompagnons.

Gloria Gaynor elle-même se produira après la première du doc.

Lorsque les Jamaïcains ont émigré à New York dans les années 80 et 90, ils ont apporté avec eux un catalogue de culture - de la musique et de la danse à la nourriture et à la langue. Il convient de noter en particulier l'importation de la musique dancehall, un genre qui a été élevé dans la ville et, éventuellement, dans le reste du pays et du monde.

Dans ce documentaire, nous entendons l'histoire du dancehall racontée à travers certains des visages les plus reconnaissables du genre : Sean Paul, Shaggy, Ding Dong, Kool Herc et bien d'autres. Parallèlement à leurs anecdotes, le public visionnera des images d'archives inédites pour aider à raconter l'histoire de la façon dont le dancehall a voyagé de Kingston à la Big Apple et comment il a inspiré des générations, y compris dans le hip hop, qui célèbre cette année son 50e anniversaire.

Après la première, il y aura une performance des légendes du dancehall.

Ce long métrage raconte l'histoire de Sol (joué par le rappeur Suave Sidle), qui rejoint un groupe de hip-hop et parcourt le Texas dans l'espoir de se retrouver. Il crée, produit et performe avec une troupe qui sont aussi des rappeurs dans la vraie vie.

Alors que la majeure partie du film est scénarisée, la réalisatrice Katherine Propper a également donné aux acteurs la liberté et l'espace pour improviser. Sur une bande-son hip-hop lo-fi, l'effet est un confort brumeux et des moments qui vous surprennent. Lost Soulz consiste à trouver un chez-soi sous quelque forme que ce soit et à chercher à réaliser ses rêves sans savoir exactement ce qu'ils sont.

La cinéaste Alexandria Bombach adore les Indigo Girls depuis son adolescence et fait partie d'un public mondial attiré par la musique libératrice du duo folk-rock.

Dans cette ode documentaire, les membres Emily Saliers et Amy Ray partagent leur histoire de succès qui s'étend sur des décennies de distinctions impressionnantes, y compris la vente de 15 millions de disques. Mais cela met également en évidence les difficultés auxquelles elles ont été confrontées en tant que femmes et lesbiennes au sein d'une industrie musicale misogyne et homophobe, et comment cela s'est infiltré dans leur vie et leur travail au sens large.

Saviez-vous que l'hymne national américain est basé sur une vieille chanson britannique ? Dans ce documentaire, les musiciens et producteurs Kris Bowers et Dahi parcourent les États-Unis pour découvrir à quoi pourrait ressembler un hymne national inspiré du riche mélange de genres musicaux de l'Amérique.

En traversant le pays, ils explorent et discutent de la Motown à Detroit, du blues à Clarksdale, de la musique country à Nashville, du jazz à la Nouvelle-Orléans, de la musique et de la danse amérindiennes à Tulsa et de la musique latine à San Francisco. Avec toutes ces informations, ces connaissances et cette infusion d'expertise culturelle, ils se sont mis à enregistrer un nouvel hymne qui vise à refléter l'Amérique d'aujourd'hui.

Tierra Whack est devenue célèbre à 15 ans après qu'une vidéo de son rap freestyle dans les rues de Philadelphie ait accumulé des milliers de vues. Alors qu'elle est devenue incontournable dans le monde du rap, le réalisateur Chris Moukarbel a voulu documenter son parcours.

Il a commencé à filmer ses concerts et sur le tournage de ses vidéoclips pour capturer le voyage dans les coulisses. Un soir, une étrange interaction avec un fan a conduit Tierra et son équipe sur une voie involontaire vers des théories du complot autour de l'industrie de la musique dirigée par un petit groupe d'élites. Dans ce pseudo-documentaire, on est obligé de tout remettre en question : qu'est-ce qui est réel, qui raconte cette histoire, et que faut-il croire ?

Taylor Mac est un artiste extraordinaire et multipotentiel dont le vaste travail théâtral comprend cette version condensée d'une performance musicale de 24 heures filmée au St. Ann's Warehouse de Brooklyn. C'est une tentative de résumer l'histoire de la musique américaine de 1776 à nos jours. Capturé par les cinéastes de renom Rob Epstein et Jeffrey Friedman, il s'agit d'une extravagance délicieusement queer, glamour et tumultueuse.

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Sur "Ceilings" devient viral et écrit des chansons qui se connectent sur sa performance "Tonight Show" et construit une carrière durable Félicitations pour la sortie de "Home to Another One" et l'annonce de l'album. J'imagine que c'est angoissant parce qu'on ne sait jamais vraiment comment les choses seront perçues. Qu'est-ce que ça fait de commencer enfin à tout sortir? Les titres d'albums, et les titres en général, sont toujours délicats. Dites-moi comment vous avez trouvé le vôtre, Silence Between Songs ? C'est un témoignage du titre que vous avez gardé pendant trois ans et rien ne l'a dépassé. Comment avez-vous découvert que vous vous installez et que vous éliminez le bruit ? Est-ce pour cela que vous vous êtes senti obligé de continuer ? Vous arrive-t-il de vous soucier de révéler trop ou trop peu de vous-même ? En tant qu'artiste, trop peut sembler être un partage excessif ; encore trop peu, vous n'êtes pas totalement honnête. Où est l'équilibre pour vous, et comment l'avez-vous atteint ? "Home to Another One" est un hymne mélancolique avec une panne. Je me demande quelle était la genèse de cette chanson ? Quand je l'ai entendu, vocalement, ça m'a tellement rappelé Lana Del Rey. Serait-ce juste de dire? Lorsque vous écrivez de la musique, en tant que coproducteur, savez-vous où vos chansons vont aller en termes de style dès le départ ? Quel est votre processus ? Ce n'est pas vraiment calculé, je ne pense pas. Ça coule vraiment. C'est un peu dommage que nous n'ayons pas eu de caméra dans la pièce pendant le tournage, parce que j'étais vraiment impliqué dans chaque son que vous entendiez. Ma relation avec Leroy est vraiment spéciale parce que je peux faire un son comme mmmmm et il comprendra ce que je veux dire. Tout est très minutieusement planifié, mais ce n'est pas du genre "je veux ce type de synthé". On a laissé couler la chanson. et construire au fur et à mesure. De nombreux artistes sont crédités en tant que co-auteurs de chansons, mais peu sont crédités en tant que coproducteurs. Pourquoi était-ce important pour vous d'être crédité en tant que coproducteur sur vos propres morceaux ? Votre premier album est sorti il ​​y a quelques années et vous avez commencé à travailler dessus en 2020. Pourquoi un si long processus ? Vous avez une empreinte Internet si massive, avec 34 millions de followers sur Instagram uniquement. Un tel suivi est-il un cadeau ou un fardeau ? Comment gérez-vous cela dans votre esprit en sachant que vous pouvez décrocher votre téléphone et publier quelque chose pour un public de millions de personnes ?